Here is the homepage of Klassepumhösl
Preview:
Friday, 25. July, from 18:30
in the Gartenatelier A.U1_25
Jahresausstellung-
Eröffnung:
Saturday, 26. July, from 14:00
Ort:
A.EG_21 - Atelier
A.U1_25 - Gartenatelier
AdBK München Altbau
Klasse Pumhösl
-
Miriam Salamandero.T.mixed media
101 x 8 x 8 cm
2025
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Foto credit: Wanying Xie
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13.09. - 11.10.2025
This is the place you told me about
Axel Obringer, Berlin
o.T.mixed media
101 x 8 x 8 cm
2025
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Foto credit: Wanying Xie
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13.09. - 11.10.2025
This is the place you told me about
Axel Obringer, Berlin
o.T.mixed media
101 x 8 x 8 cm
2025
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Foto credit: Wanying Xie
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13.09. - 11.10.2025
This is the place you told me about
Axel Obringer, Berlin
o.T.mixed media
101 x 8 x 8 cm
2025
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Foto credit: Wanying Xie
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13.09. - 11.10.2025
This is the place you told me about
Axel Obringer, Berlin
o.T.mixed media
101 x 8 x 8 cm
2025
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Foto credit: Wanying Xie
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13.09. - 11.10.2025
This is the place you told me about
Axel Obringer, Berlin
Niklas Herrnböckescape nine to five2025 Found Object Niklas Herrnböck File holder, dead mouse 15 x 25 x 45 cm
With escape nine to five, an unremarkable everyday object—a green metal file holder—becomes the bearer of a profound social and systemic critique. The object, typically a symbol of order, discipline, and the efficiency of bureaucratic systems, is radically re-coded by the addition of a dead mouse. Presented in a clear glass cube on a neutral pedestal, the found object reveals itself as a bitterly ironic commentary on the realities of modern working life.
The title—escape nine to five—succinctly captures the tension between freedom and conformity. "Nine to five" represents not only fixed working hours but also the standardization of life, thought, and action within capitalist work logics. The mouse's attempt to escape this system ends in failure. It dies—literally—within the very structure that promises order but instead produces confinement and hostility to life.
In the juxtaposition of dead animal and industrially manufactured filing tool, a central conflict of late-modern societies is manifested: the alienation of the individual through routines, hierarchies, and the mandate of productivity. The mouse becomes a projection surface for the exhausted subject—one that finds no way out amid standardized procedures and structural violence. Its death is not a natural one, but a symbolic one—caused by a system that leaves no room for vitality or individuality.
The work thus aligns itself with an artistic tradition that views the readymade not as a mere play with meaning, but as a form of critical intervention. escape nine to five resists any glorification of the everyday and exposes the dark side of functionality. Its sterile presentation within a museum context further amplifies the distance to the tragedy it depicts—highlighting how easily human fates are lost in the machinery of structural processes.
Commentary:
With radical simplicity, escape nine to five puts its finger on the wound of a society that grinds the individual down through systemic friction. The work calls for reflection—not only on daily working life but also on the ideological foundations that make this life seem inevitable and without alternative.Hollowed Base2024 Stone Sculpture Niklas Herrnböck 50 x 50 x 20 cm
The work Hollowed Base consists of a solid block of Untersberg marble, whose center has been hollowed out in the shape of a hemisphere. The treatment of the natural stone points to artisanal craftsmanship and classical sculptural traditions, while at the same time emphasizing a deliberate void: the base carries nothing, supports nothing—it is hollowed out.
The title captures the tension between function and form. In architecture, the base is foundation, origin, and bearer of structure. Here, however, it is empty—its substance remains visible, but its purpose is undermined. This intentional hollowing can be read as a political image: a foundation that exists only externally, but is internally eroded.
The sculpture raises questions about the stability of societal orders. What happens when the fundamental pillars of a society—justice, solidarity, truth—are reduced to mere façades? The hollowed base symbolically represents systems whose outer form persists while their content decays. It is a quiet but precise commentary on political structures that have emptied themselves of meaning.
Despite its massive materiality, the work resists any heroic gesture. Instead of strength, it conveys skepticism. In the void lies no promise, but a doubt—a doubt about the load-bearing capacity of what we build upon.
Commentary:
Hollowed Base is not a decorative form, but a radical question posed to the foundation of political and social reality. The work transforms a classical symbol of stability into a silent indictment of the structural erosion of meaning.
Johnny Linderschlafende ZweifelBronze, Federstahl, verschiedene Größen
schlafende ZweifelBronze, Federstahl, verschiedene Größen
Lina Teufel161,8 % der potentiellen Höhe eines Raumes, deformiert (+408)size: 100x70x280 cm
material: bronze
year: 2025instagram: @lina.teufel
Manoush AssefjahPazhmordeMarmor, Fotografie
49,5x8x1,5
Oskar RaheOhne Titel2025,
450x25x5cm,
Holz und Tinte.website at:
oskarrahe.art
instagram at:
@rahe.oskar
Jonas Augustin MannCuspis 12025
Birke Multiplex, Lockenwickler
33 × 33 x 3Cuspis 22025
Birke Multiplex, Nussbaum Holz
24 × 35 × 3Cuspis 42025
Birke Multiplex, Kirsch Holz
26 × 35 × 3
Lena Annika Scheller'τὸ ἄπειρον' (Das Apeiron)435 x 148 cm
may 2025
ink, coffee powder, vinegar essence, salt, pigment granulate, graphit on
canvasDie Klippe30,0 x 40,0 cm
january 2024
wall interior colour, ink and graphit on canvasDer Wald - Eine Landschaft'Der Wald'
130,5 x 19,3 cm
'Eine Landschaft'
194,2 x 19 cm
november 2024
wall interior colour, ink and graphit on wood
Jakob Ritzkato.T. (7) („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. (8) („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. (1) („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. (3)(„Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
Text: Peter Seeland,Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein. o.T. („Szenen“)2025, Gicleé Druck und MDF-Platte
Beschreiben Menschen ihr Inneres, Emotionen, Gedanken, Ängste oder Hoffnungen, greifen sie oft, scheinbar intuitiv, auf Bilder zurück. Gedachte, gefühlte oder gesprochene Bilder erscheinen in Träumen, flimmern im Alltag unerwartet auf oder sind das Ergebnis langwieriger Auseinandersetzung mit dem Selbst. Sie werden oftmals zu Symbolen der eigenen oder fremden inneren Verfassung. Inneres und Äußeres bleiben dabei nicht getrennt; Welterfahrung und Imagination verschmelzen oftmals.
Dies thematisiert Jakob Ritzkat in seiner Serie „Szenen“ von 2025. Lichtführung, Farbigkeit und die oft nicht einzuordnenden Ausschnitte der Bildelemente wirken vertraut und fremd zugleich, eine gewisse Unheimlichkeit geht anziehend von den Collagen aus. Die Werke basieren auf Fotografien Ritzkats: Urbane Architektur, glänzende Metallwände, Felsen, Höhlen oder Landschaften fließen zu den Werken als Collage aus innerem und äußerem Vokabular zusammen. Äußere Erfahrung und innere Wahrnehmung werden zusammengeführt, innen und außen stehen in relational-ästhetischer Wechselbeziehung, sind untrennbar im Bild verstrickt. Während von außen auf alle dieselben Reize wirken, sind die inneren Bilder doch höchst subjektiv und individuell. In ihnen fließen Subjekt und gemeinsame, kollektive Welterfahrung zusammen. Vor den Werken stellt sich damit die Frage: Was lösen sie in mir aus, aber was lösen sie in anderen aus, während doch alle dasselbe Bild betrachten.
Ausgehend von der Erfahrung des eigenen Inneren und der Außenwelt formuliert Ritzkat einerseits Bilder aus, die die Innenwelt und ihre Bilder ernst nehmen. Als szenische Ausschnitte laden sie zum Assoziieren und zur Projektion des Selbst auf die Werke ein: Wie kann die Beschäftigung mit unseren inneren Bildern Aufschluss geben über uns selbst und unsere Umgebung? Wie kann bildhafte Formfindung als Suche nach Bedeutung funktionieren und zur Reflexion anregen? Wie kann dies auch für das Innenleben anderer sensibilisieren?
Jakob Ritzkats Werke drängen sich nicht auf, sie bieten keine kurierenden Versprechungen an, sondern laden dazu ein, das eigene Innere, aber auch die Außenwelt über Bilder zu erkunden.
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Daichi TaniguchiEmptiness Object2025
Neutral paper, pulp paper, aluminum paper, brown paper, matte paper, thread, paper glue
W245•H250•D25
W141•H189•D13
W150•H280•D22
W115•H193•D14
Daniel GianfranceschiSignal Spectrum (I - III)Material: Enamel paint, tape, Liquitex on linen
Size: 140 cm x 12 cm (each, three parts)
2025
Xenia Boytsova1|1-35|1,2,3
Camilla MetelkaDance of the Ruler2025, film still on canvas, 90x70cm
Vincent SchoberUntitled2025, Pigment, Oil on Fabrics, 175 x 155cm
Mute(Meditation)VincentSchober & Daniel Gianfranceschi
2025, Ink, Oil and Pigment on Linen and Canvas, 30x80cm
Untitled2025, Pigment, Oil on Fabrics and Canvas, 120x120
Untitled2025, Oil, Fabrics and Canvas, 150x125cm
Untitled2025, Oil, Fabrics and Canvas, 165x120cm
Untitled2025, Pigment, Gesso on Cotton, 40x30cm
Untitled2025, Pigment, Gesso on Canvas, Cotton, 40x30cm
Untitled2025, Pigment, Gesso on Linen, 60x50cm
Untitled2025, Pigment, Gesso on Linen, 40x30cm
Freie Kunst Bildhauerei
Florian Pumhösl, Vera Lutz
Atelier A.EG_21
Gartenatelier A.U1_25
AdBK München Altbau
